Albrecht Dürers Gemälde zählen zu den besten Kunstwerken der nordischen Renaissance in Deutschland. Albrecht Dürers Werk zeigt, dass er ein vielseitiges Talent war: Er beherrschte Kupferstich, Aquarellmalerei, Ölmalerei und Tuschezeichnung. Albrecht Dürers Betende Hände ist wahrscheinlich sein berühmtestes Werk, aber es gibt noch viel mehr von seinem Werk zu entdecken und zu schätzen.
Einführung in Albrecht Dürer
Man kann mit Sicherheit sagen, dass es die Druckgrafik, wie wir sie aus der Kunstgeschichte und der zeitgenössischen Kunst kennen, ohne Albrecht Dürer nicht gäbe haben.
Obwohl er vor fast 500 Jahren lebte, gilt er immer noch als einer der berühmtesten und einflussreichsten Grafiker der Kunstgeschichte, vor allem weil er den Holzschnitt in großer Zahl in die bildende Kunst einführte. Albrecht Dürers Popularität beruhte in erster Linie auf seinen Grafiken und seiner visuellen Ästhetik, seine finanzielle Unterstützung erhielt er jedoch durch Aufträge für theologische Gemälde und Porträts, und diese Werke werden immer noch wegen ihrer zeichnerischen Qualität und Verwendung von Farben hoch geschätzt.
Er war und ist der größte Künstler der nördlichen Renaissance, der die hochentwickelte nordische Manier mit den Werten der italienischen Renaissance – Gleichgewicht, Einheit und Majestät é8211; wirkungsvoll kombiniert.
Ein Stich von 1818, basierend auf einem Selbstporträt von Albrecht Dürer, 1500; Carl Georg Enslen, gemeinfrei, über Wikimedia Commons
Bis zum frühen 16.
Jahrhundert wurde die Kunst der italienischen Renaissance (mit Schwerpunkt auf Proportionen, Perspektive und der Darstellung des Menschen in seiner Umgebung) fast ausschließlich von der mittelalterlichen Malerei in Nordeuropa beeinflusst, die sich auf naturalistische Interpretationen. Die Werke von Albrecht Dürer kombinierten diese beiden künstlerischen Ausdrucksformen und waren die ersten Kunstwerke außerhalb Italiens, die moderne philosophische, wissenschaftliche und religiöse Konzepte einbezog.
Berühmte Gemälde und Drucke von Albrecht Dürer
Ungeachtet seines klaren Renaissance-Interesses an Humanismus und Arithmetik schuf Dürer eine äußerst umfassende Studie über die natürliche Welt, insbesondere die Tierwelt – Egal, ob es sich um kürzlich in Europa entdeckte Tiere wie das Nashorn oder um gewöhnliche einheimische Tiere wie Albrecht Dürers Kaninchendruck Der junge Hase handelt.
Dürer war sich seiner schöpferischen Brillanz bewusst, die ihn gleichzeitig quälte und begeisterte. Dürers Selbstporträts waren bekanntermaßen selbstverherrlichend und er erschien oft als Figur auf seinen Malaufträgen.
Er war einer der ersten angesehenen Künstler, der Anhänger, Bewunderer und Nachahmer hatte, in einem Paradigma, das bis heute erhalten bleibt.
Die vier Reiter der Apokalypse (1498)
| Fertigstellungsdatum | 1498 |
| Mittel | Holzschnitt |
| Abmessungen | 39 cm x 28 cm |
| Aktueller Standort | Metropolitan Museum of Art, New York |
Dieses Kunstwerk zeigt die vier Reiter der Apokalypse, die im Alten Testament prophezeit wurde.
Pest, Krieg, Hungersnot und Tod vermehren und zerstören die Ansammlung unglücklicher Menschen. Ein Engel wacht über eine Landschaft, umgeben von majestätischen Wolken und Lichtstrahlen. Schriftlich sind die drei Reiter vor allem an der Farbe ihrer Pferde zu erkennen.
Dürer, der aufgrund der begrenzten Möglichkeiten der Holzschnitttechnik in Graustufen arbeiten musste, präsentiert ihre Waffen - einen Dreizack, ein Schwert, eine Waage und einen Bogen – Der Tod wird auch als eine alte, müde Figur mit Bart dargestellt, die auf einem unterernährten Hengst reitet.
Die vier Figuren galoppieren dicht beieinander, aber ihre Standorte überschneiden sich teilweise, was auf die Reihenfolge hinweist, in der sie im Text dargestellt werden.
Die vier Reiter der Apokalypse (zwischen ca.
1496 und ca. 1498) - Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, gemeinfrei, über Wikimedia Commons
Als letzte Figur, die die Bühne betritt, nimmt der Tod Hades mit. Er wird als gesprächiges Wesen dargestellt, das eine Person mit Priesterkragen und Hut verschlingt. Die Priester und Adligen werden wie der Großteil der Bevölkerung durch die Apokalypse dezimiert.
Ihre moderne Kleidung ermöglicht es dem Betrachter des 16. Jahrhunderts, sich leicht ihr eigenes Elend vorzustellen.
Mit Liebe zum Detail fängt Dürer fast die gesamte Tafel ein und fängt die Schrecken und Verwirrungen der Endzeit auf wunderbare Weise ein. Das diagonale Muster von Motorradfahrern auf dünnen horizontalen Linien, die einen schwarzen Hintergrund bilden, verleiht dem Bild ein Gefühl von Dynamik.
Dieses Werk, wie auch die anderen Gemälde dieser Serie, demonstriert die beispiellose Fähigkeit des Künstlers, im normalerweise rauen und schweren Medium des Holzschnitts die gleiche außergewöhnliche Fließfähigkeit und Intensität der Emotionen zu erzeugen wie in der Holzschnittmalerei.
Selbstporträt in einer Robe mit Pelzdeckel (1500)
| Fertigstellungsdatum | 1500 |
| Mittel | Panel mit gemischter Technik |
| Abmessungen | 67 cm x 48 cm |
| Aktueller Standort | Alte Pinakothek, München |
Dürers Selbstporträt als Christus könnte als Blasphemie aufgefasst werden, doch handelt es sich viel eher um ein Glaubensbekenntnis, gepaart mit dem Glauben an die Fähigkeiten des Künstlers als Autor.
Es zeigt Albrecht Dürer als einen Schöpfer, der Geschenke vom himmlischen Vater erhielt. Der Künstler spricht das Publikum direkt an und ist vor einem schlichten Hintergrund zu sehen. Er hebt seine rechte Hand zum Herzen und spreizt zwei Finger, als wollte er eine Segensgeste machen. Sein welliges Haar fällt ihm bis zu den Schultern und sein Abzeichen ist auf der rechten Seite gut sichtbar.
Auf der linken Seite steht der lateinische Text: „So habe ich, Albrecht Dürer von Nürnberg, mich im Alter von 28 Jahren in dauerhaften Farben dargestellt.“
Selbstbildnis (1500) - Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, gemeinfrei, über Wikimedia Commons
Die Tradition der Porträtmalerei während der Renaissance bestand darin, den Dargestellten in einer Dreiviertelperspektive darzustellen, meist in einer naturalistischen Umgebung.
Dürer erinnert an mittelalterliche religiöse Bilder, insbesondere an religiöse Darstellungen von Christus Pantokrator, indem er einen frontalen Aspekt und einen dunklen Gesamthintergrund verwendet. Der Maler stellt sich in diesem Gemälde eindeutig als Christus dar, mit einer Segensbewegung, langen dunkelbraunen Haaren (Dürer war eigentlich dunkelblond) und idealistischen Gesichtszügen.
Angesichts des apokalyptischen Datums des Werks könnte das Werk als kraftvolle Darstellung der Identität des Schöpfers als Gläubiger angesehen werden.
Der junge Hase (1502)
| Fertigstellungsdatum | 1502 |
| Mittel | Aquarell und Gouache auf Papier |
| Abmessungen | 25 cm x 23 cm |
| Aktueller Standort | Albertina, Wien |
Die erstaunliche Tiefe und Aufmerksamkeit dieser Studie eines kleinen wilden Lebewesens ist ein Vorläufer der sorgfältigen wissenschaftlichen Bilder, die eine außergewöhnlich genaue und sympathische Darstellung einer der allgegenwärtigsten Arten der Natur inspiriert haben und bieten.
Dargestellt ist ein Hase in einer Dreiviertelperspektive, dessen Hinterbeine unter dem Körper stecken und dessen Vorderbeine leicht nach vorne gestreckt sind.
Obwohl Albert Dürers Gemälde des Hasen allgemein als Junger Hase bezeichnet wird, handelt es sich bei dem Tier höchstwahrscheinlich um einen ausgewachsenen Wildhasen.
Dürers Naturgemälde zeichnen sich durch ihre Liebe zum Detail aus. Der junge Hase wiederum ist mehr als nur eine wissenschaftliche Studie über das Lebewesen.
Die Gegenüberstellung von Thema und Darstellung erzeugt eine inhärente Dramatik dieser Arbeit: Der Hase ist ein typisch hyperaktives Tier, das wegläuft, wenn man es zu genau betrachtet.
Der junge Hase (1502) von Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, gemeinfrei, über Wikimedia Commons
Der Hase wurde vom Künstler in einem kurzen Moment des Friedens eingefangen.
Die leichte Neigung des Ohres und die Fokussierung auf den Betrachter zeigen jedoch, dass das Tier uns beobachtete. Seine Hinterbeine sind angewinkelt und bereit zum Springen. Es ist unklar, ob er den Hasen in freier Wildbahn zeichnete und das Gemälde an einem toten Exemplar fertigstellte oder ob er einen lebenden Hasen in seiner Werkstatt hielt. Das linke Auge scheint das Fenster zu reflektieren.
Dies wurde als Hinweis darauf interpretiert, dass Dürer einen Hasen darin hatte und ihn malte.
Das Hinzufügen eines Querbalkens zur Pupille des Auges ist ein häufiges Merkmal von Albrecht Dürers Werk und könnte einfach eine praktische Möglichkeit sein, das Auge zum Leben zu erwecken.
Dies könnte auch auf Dürers Liebe zum Detail hinweisen, da er die Spiegelung seines Atelierfensters in der Pupille des Objekts einfing.
Adam und Eva (Der Fall) (1504)
| Datum Fertigstellung | 1504 |
| Durchschnittliche | Gravur |
| Abmessungen | 24 cm x 19 cm |
| Aktueller Standort | Kunstmuseum, Boston |
Dürers Darstellung des „Abstiegs“, der Zeit in der christlichen Lehre, als die ersten beiden Menschen, Adam und Eva, sich Gott widersetzten und vom Baum der Erkenntnis aßen, zeichnet sich durch ihre kraftvolle Darstellung der Menschheit und der Erde aus.
Dieser Stich entstand kurz nach der Rückkehr des jungen Dürer aus Italien und spiegelt seine persönliche Leidenschaft für die Renaissance und den Patriotismus in seinem eigenen Land wider und ist keine Erzählung aus der Geschichte der Ursprünge.
Die Figuren in diesem Gemälde basieren auf traditioneller Nacktheit und den idealisierten Körperproportionen und Haltungen, die von griechisch-römischen Malern und Baumeistern dieser Zeit festgelegt wurden.
Adam und Eva(1504) - Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, gemeinfrei, über Wikimedia Commons
Die wilde Vegetation hinter dem Paar erinnert an die deutschen Wälder, die der Künstler kannte, sodass er die italienischen Exemplare tatsächlich in seiner Heimatumgebung platziert.
Jedes Tier, mit Ausnahme der Schlange, die der Heiligen Schrift zufolge tatsächlich Satan ist, hat seine eigene Bedeutung. Drei der vier Säfte werden durch Hase, Katze, Elch und Ochse repräsentiert.
Laut antiken römischen und griechischen Ärzten und Intellektuellen verfügt jeder Mensch über vier verschiedene physiologische Flüssigkeiten und einen Überschuss oder Mangel an einem dieser „Säfte“; hat einen direkten Zusammenhang mit Charakter und Konstitution.
Fest des Rosenkranzes(1506)
| Fertigstellungsdatum | 1506 |
| Durchschnittlich | Öl auf Platte |
| Abmessungen | 161 cm x 192 cm |
| Aktueller Standort | Nationalgalerie in Prag |
Während Dürers Reise nach Venedig im Jahr 1506 entstand eines seiner herausragendsten Gemälde im Großformat, Fest des Rosenkranzes.
Es zeigt die Jungfrau Maria, begleitet von einer Schar männlicher Figuren und Putten. Zwei Engelsfiguren schmücken Maria mit einer Blumengirlande und halten das Jesuskind auf ihrem Schoß.
Dieses Gemälde ist eines der eindrucksvollsten Ergebnisse des künstlerischen Austauschs zwischen dem Venedig des 16.
Jahrhunderts und den kreativen Zentren nördlich der Alpen.
Für das Gemälde verwendete Dürer typisch venezianische Farben, darunter große Mengen Lapislazuli. Nördlich der Alpen gab es viel mehr Azurit und Dürer verwendete in seinen Nürnberger Gemälden nie Lapislazuli. Überbrückt die Lücke zwischen italienischen und nordischen Malstilen, indem es Materialien, Methoden und visuelle Komponenten italienischer und nordischer Kunstschulen kombiniert und die venezianische Fixierung auf Licht und Farbe mit den deutschen Traditionen des heiligen Altars verbindet.
Das Rosenkranzmahl (1506) - Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, gemeinfrei, über Wikimedia Commons
Die Einbeziehung venezianischer Elemente in in Deutschland hergestellte Werke wird immer wichtiger, da es den Auftraggebern ermöglicht, ihre Verbundenheit zu Venedig zu demonstrieren und gleichzeitig ihren Nationalismus zu zeigen.
Dürers Wunsch, seine venezianischen Kollegen zu übertreffen, indem er ihre Techniken, Fähigkeiten und Eigenschaften übernahm und sie auf ein höheres Niveau hob, spielte zweifellos eine Rolle.
Da er in seinem Heimatland ein bekannter Maler war, in Italien jedoch nicht denselben Ruf genoss, arbeitete er hart daran, seinen Wert auf dem italienischen Markt zu beweisen.
Beten Hände(1508)
| Fertigstellungsdatum | 1508 |
| Mittel | Tinten- und Bleistiftpapier |
| Abmessungen | 29 cm x 19 cm |
| Aktuelles Angebot | Kunsthistorisches Museum Wien |
Albrecht Dürers Betende Händeist wahrscheinlich eines der am häufigsten nachgedruckten Gemälde der Welt und bleibt ein universelles Symbol für Frömmigkeit und Christentum.
Das Bild ist auf religiösen Büchern, T-Shirts, Kunsthandwerk und sogar auf dem Grab von Andy Warhol zu sehen - dank Druckmöglichkeiten, die sich Dürer vor über 500 Jahren nicht einmal vorstellen konnte, als er dieses Motiv schuf.
Diese Skizze wurde vom Künstler selbst mit Tinte und Bleistift auf blauem Papier angefertigt und war nicht als eigenständiges Werk gedacht, sondern als Projekt zur Vorbereitung des 1507 von Jacob Heller in Auftrag gegebenen Altars.
Betende Hände (1508) Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, gemeinfrei, über Wikimedia Commons
In den 1930er Jahren entstand ein Mythos über die Hände in diesem Gemälde, der besagte, dass es sich um die Hände des Bruders des Schöpfers handelte, die durch harte Arbeit abgenutzt und in diesem Gemälde erhalten blieben.
Es ist jedoch viel wahrscheinlicher, dass der Maler das Bild mit seinen eigenen Händen gemalt hat, da ähnliche Hände in seinem gesamten Werk zu sehen sind.
Diese schwebenden, betenden Hände sind in der Geschichte der christlichen Ikonographie äußerst wichtig und bleiben attraktiv, weil sie praktisch jedem gehören könnten“, obwohl die rauen Ärmel des Hemdes eher auf einen Arbeiter oder Bürger als auf einen angesehenen Geistlichen oder Wissenschaftler schließen lassen.
Der heilige Hieronymus in seinem Arbeitszimmer(1514)
| Datum Fertigstellung | 1519 |
| Mittel | Gravur |
| Abmessungen | 25 cm x 19 cm |
| Aktueller Standort | Britisch Museum |
Der Heilige Hieronymus sitzt an seinem Tisch und ist in seine Arbeit vertieft.
Charakteristisch für die Renaissance ist ein Schreibtisch mit einem Kruzifix in einer Ecke. Wie um den Tod mit der Entrückung zu vergleichen, verläuft von Hieronymus aus eine imaginäre Linie. Gehen Sie durch das Kreuz und enden Sie bei einem Schädel auf der Fensterbank.
Der Löwe im Vordergrund ist Teil einer konventionellen Darstellung des Heiligen.
Hieronim, und neben ihm ruht ein Hund, ein Geschöpf, das oft in Dürers Werken vorkommt und Treue symbolisiert.
Beide Geschöpfe erscheinen in Hieronim&8216; Goldene Legende (ca. 1260), mit fantastischen Erinnerungen an Heilige. Obwohl die Anordnung persönlich ist, ist es für den Betrachter schwierig, sich in den Raum des Gemäldes einzufügen.
Der Heilige Hieronymus in seinem Arbeitszimmer (1514) - Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, gemeinfrei, über Wikimedia Commons
Obwohl die Szene ziemlich nah am Betrachter ist, glaubt Thomas Puttfarken, dass Dürer nicht wollte, dass der Betrachter das Sichtbare spürt Gefühl:
'Die Nähe ist nicht unsere, sondern die eines Heiligen, der in Studium und Kontemplation versunken ist.
Die Platzierung des Punktes weit weg von der Mitte verstärkt den Eindruck einer Darstellung, die nicht auf einem unparteiischen Gesetz der Gestaltung, sondern auf der subjektiven Sicht des Betrachters basiert, der gerade in eine Darstellung eintritt, die einen Großteil ihres entschieden „persönlichen“ Charakters enthält; Der Effekt ist auf diese Konfiguration des Betrachtungswinkels zurückzuführen.
Melencolia I (1514)
| Daten Fertigstellung | 1514 |
| Medium | Gravur |
| Abmessungen | 24 cm x 18 cm |
| Aktueller Standort | Metropolitan Museum of Art, New York |
Dieses Gemälde ist ein sehr frühes Bild von Traurigkeit oder Melancholie und ein wichtiges Bild in der Entwicklung der Mythologie des „leidenden Künstlers“; sowie in der Geschichte der Künstlerdarstellungen ihrer eigenen psychischen Gesundheit und ihres Leidens.
'Melencolia I'; Dies ist eine von drei Tafeln aus dem Jahr 1514, die als Meisterstiche bezeichnet werden.
In diesem Kunstwerk ist eine geflügelte Frauenfigur in Gedanken versunken und hält geistesabwesend einen Kompass in der rechten Hand.
Sie trägt einen Kranz und auf beiden Seiten befinden sich mehrere Gegenstände, von denen jeder eine bestimmte symbolische Bedeutung hat. Hinter ihr sitzt ein niedergeschlagener Putto und zu ihren Füßen liegt ein unterernährter Hund.
Melencolia I (1514) - Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, gemeinfrei, über Wikimedia Commons
Melancholie war auch eng mit der künstlerischen Brillanz der Renaissance verbunden.
Die zahlreichen auf dem Stich dargestellten Dinge lassen darauf schließen, dass Dürer damit seinen eigenen kreativen Geisteszustand widerspiegeln wollte. Die zufällig verstreuten und weggeworfenen Werkzeuge repräsentieren die Geometrie, eine der freien Künste und für Dürer als Grafikdesigner wahrscheinlich die wichtigste, und seine Unfähigkeit, sie zu nutzen.
Die Sanduhr, eine beliebte Metapher für die Vergänglichkeit des Lebens, die Leiter ohne offensichtlichen Anfang und Ende und die leeren Schuppen symbolisieren Gleichgültigkeit und Zwecklosigkeit.
Das Polyeder scheint die bekannte kreative Idee der linearen Perspektive der Renaissance zu verwirren.
Nashorn (1515)
| Fertigstellungsdatum | 1515 |
| Mittel | Holzschnitt |
| Abmessungen | 23 cm x 29 cm |
| Derzeitiger Standort | National Gallery of Art, Washington, D.C. |
Dürers Nashorn seit seiner Erstveröffentlichung im Jahr 1515behält seinen Status als eines der beliebtesten Bilder.
Der Holzschnitt zeigt die Darstellung des Künstlers eines Panzernashorns, das seitwärts auf einem kleinen Stück Land steht. Das auf dem Foto gezeigte Nashorn wurde dem Administrator von Portugiesisch-Indien von Sultan Muzafar II. überreicht. Der Gouverneur schenkte es dann König Manuel I. von Portugal, der es wiederum Papst Leo Dürer schenkte, der das Tier nie persönlich sehen konnte.
Sein Bild war ihm nur aus schriftlichen Geschichten bekannt.
Daher ist es nicht verwunderlich, dass Dürers Gemälde kein echtes Nashorn darstellt. Die Kreatur wird mit dicken Platten dargestellt, die als Rüstung dienen. Die Oberfläche ist mit einem Muster aus kreisförmigen Markierungen bedeckt.
Das Nashorn(1515) von Albrecht Dürer; National Gallery of Art, CC0, via Wikimedia Commons
Zusätzlich zum Horn auf der Schnauze hat es ein zweites Horn zwischen den Armen des Nashorns.
Es hat schuppige Beine, ähnlich einem Krokodil. Als erstes Nashorn, das seit dem 3. Jahrhundert n. Chr. in Europa lebte, galt das Auftauchen dieses fast mythologischen Tieres in der Renaissance als Symbol der Wiederentdeckung der Antike und erregte große Aufmerksamkeit. Dürers Holzschnitt der Kreatur wurde in ganz Europa berühmt.
Die Wahl des Holzschnittverfahrens gegenüber dem zeitaufwändigeren und teureren Kupferstich führte zu einer schnelleren und einfacheren Reproduktion.
Porträt Kaiser Maximilians I. (1519)
| Datum Fertigstellung | 1519 |
| Medium | Öl auf Holz |
| Abmessungen | 74 cm x 62 cm |
| Aktuelles Angebot | Museum für Kunstgeschichte, Wien |
Auf diesem Ölgemälde aus dem Jahr 1519 ist Kaiser Maximilian I.
in Halb- und Dreiviertelperspektive auf grünem Hintergrund dargestellt. Er blickt nach rechts, in seiner linken Hand hält er einen Granatapfel, ein Symbol für Wohlstand und sein Königreich, und die Samen symbolisieren sein Volk. Der Kaiser trägt ein pelzbesetztes Gewand über einem schwarzen Umhang. Sein schwarzer Hut hat eine breite Krempe und eine Brosche.
In der oberen linken Ecke des Gemäldes befinden sich das Wappen der Habsburger und das Emblem des Ordens vom Goldenen Vlies.
Über dem Monarchen informiert der in Großbuchstaben geschriebene Text über seine Ehrungen und Leistungen.
Porträt Kaiser Maximilians I. (1519) von Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, gemeinfrei, über Wikimedia Commons
Maksymilian verbarg nicht die Tatsache, dass er künstlerische Projekte für seine eigene Werbung nutzte.
Ihm ging es um seinen Ruf als König und um die Erinnerung an sein Leben und seine Erfolge. Auf Dürers Gemälde ist der Monarch in prächtiger Kleidung dargestellt, wobei der massive Pelzkragen seines Gewandes einen Großteil des Gemäldes einnimmt.
Sein graues Haar weist auf sein fortgeschrittenes Alter und seine Erfahrung hin, und ein Granatapfel in seiner Hand erinnert den Betrachter an seine Verantwortung als Herrscher.
Sein Gesichtsausdruck ist hart und entschlossen. Dürer verwandelte dieses Gemälde später in einen Holzschnitt, der weite Verbreitung fand und schließlich als die berühmteste Darstellung des Kaisers anerkannt wurde.
Wie wir heute wissen, gilt Albrecht Dürer als einer der talentiertesten deutschen Künstler und als Schlüsselakteur der nördlichen Renaissance.
Wie viele seiner Kollegen in Italien war er ein vielseitig begabter Künstler, der nicht nur Öl- und Aquarellmalerei, sondern auch Tuschemalerei, Gravuren und Schriften zu Themen wie Mathematik, Bauwesen und Technologie beherrschte.
Häufig gestellte Fragen Fragen
Welche sind Albrecht Dürers berühmteste Werke?
Albrecht Dürers Gemälde eines Hasen, bekannt als der Feldhase, ist ein ziemlich berühmtes Kunstwerk, das für seine realistische Tierstudie geschätzt wird.
Dürers Selbstporträt mit dem Titel Selbstbildnis im pelzbesetzten Gewand ist ein Beispiel für sein verherrlichendes Selbstbildnis. Albrecht Dürers Werke waren berühmt für ihre Kombination aus nordischem und italienischem Stil.
Was ist Albrecht Dürers berühmtestes Werk?
Albrecht Dürers berühmtestes Werk ist „Betende Hände“.
Es wurde in vielen verschiedenen Bereichen verwendet, von Kaffeetassen bis hin zu Bibelseiten. Albrecht Dürers Gemälde trugen zur Verbreitung der religiösen Lehren des Christentums bei und waren auch mit ihrer realistischen Darstellung der Natur erfolgreich.
Alicia du Plessis
Alicia du Plessis ist Autorin und Kunsthistorikerin.
Sie schloss ihr Studium an der University of KwaZulu-Natal in Südafrika mit einem BA in Kunstgeschichte und klassischer Zivilisation sowie zwei Auszeichnungen in Kunstgeschichte und Bildung und Entwicklung ab.Ihr Hauptprojekt in der Kunstgeschichte befasste sich mit der Wahrnehmung der Identität der San-Buschmänner und dem Konzept des „Anderen“.
Sie untersuchte auch den Einsatz von Fotografie in der Kunst und wie sie zur Darstellung des Lebens von Menschen eingesetzt wird.
Alices weitere Interessengebiete in der Kunstgeschichte umfassen den Prozess des Schreibens über Kunstgeschichte und die Analyse von Bildern. Ihre Lieblingskunstrichtungen sind der deutsche Impressionismus und der Expressionismus.
Ihr Masterstudium in Kunstgeschichte hat sie noch nicht abgeschlossen (sie würde es gerne in einem anderen europäischen Land machen), da sie gerne mehr Berufserfahrung sammeln würde, um später als Dozentin arbeiten zu können. Erfahren Sie mehr über Alicia du Plessis.